Emil Orlik

New and updated Art Guides

Contemporary Arts

Kaum ein Künstler hat das Spanienbild, das man sich um 1900 im Ausland machte, so sehr geprägt wie Ignacio Zuloaga (1870–1945): stolze Toreros und temperamentvolle Flamenco-Tänzerinnen; das einfache Leben der Landbevölkerung, Asketen und Büßer in weiten, kargen Landschaften; Bettler, Kleinwüchsige und Hexen, die das Erbe von Altmeistern wie Diego Velázquez und Francisco de Goya aufrufen. In Zeiten massiver Industrialisierung und der zunehmenden Orientierung Spaniens an der europäischen Moderne wollte Zuloaga mit solchen Szenen die „spanische Seele" bewahren. Zu Lebzeiten des Künstlers wurde seine Malerei international gefeiert. Der Band ist die erste umfassende monografische Publikation zum Künstler in deutscher Sprache. <UL> <LI>Katalog zur ersten posthumen Ausstellung über Ignacio Zuloaga außerhalb Spaniens – dem! prägenden Künstler des Spanienbildes im Ausland um 1900 </LI> <LI>Ausstellungen: Kunsthalle München, 15.09.2023–04.02.2024; Bucerius Kunst Forum Hamburg, 17.02.–26.05.2024 </LI></UL>

Few other artists have shaped the image of Spain abroad around 1900 as much as Ignacio Zuloaga (1870-1945): proud toreros and spirited flamenco dancers; the simple life of the rural population, ascetics and penitents in vast, barren landscapes, and beggars, diminutive people and witches who invoke the legacy of old masters such as Diego Velázquez and Francisco de Goya. In times of massive industrialisation and Spain’s increasing orientation towards European modernism, Zuloaga aimed to preserve the “Spanish soul” with such scenes. The artist’s painting was celebrated internationally during his lifetime. This volume is the first comprehensive monographic publication on the artist to appear in German. <UL> <LI>Catalogue for the first posthumous exhibition on Ignacio Zuloaga outside Spain - the formative artist of Spain’s image abroad around 1900. </LI> <LI>Exhibitions: Kunsthalle Munich, 15.09.2023-04.02.2024; Bucerius Kunst Forum Hamburg, 17.02.-26.05.2024 </LI></UL>

Paintings and painting in watercolours or pastels

1900; Spanien; Ignacio Zuloaga; Ignacio Zuloaga y Zabaleta; Torero; Flamenco; Kleinwüchsige; Hexen; Diego Velázquez; Francisco de Goya; Volkstum; Generation von 98; Generación del 98; Pariser Avantgarde; Paris; Ramon Casas; Bohème; Valentine Dethomas; Bourgeoisie; Auguste Rodin; Rainer Maria Rilke; „spanische Seele“; hispanidad; El Greco; Julius Meier-Graefe; Sevilla; Stierkampf; gitanos; gitanas; Tauromachie; Frauentypus; Andalusierin; weibliche Verführung; Ikonografie; Segovia; Landschaftsmalerei; Porträtmalerei; Malerei; Kastilien; mystischer Katholizismus; 20. Jahrhundert; sozialer Realismus; spanische Klassik; España Negra

1900; Spain; Ignacio Zuloaga; Ignacio Zuloaga y Zabaleta; torero; flamenco; small people; witches; Diego Velázquez; Francisco de Goya; folklore; generation of 98; Generación del 98; Parisian avant-garde; Paris; Ramon Casas; bohemian; Valentine Dethomas; bourgeoisie; Auguste Rodin; Rainer Maria Rilke; "Spanish soul"; hispanidad; El Greco; Julius Meier-Graefe; Seville; bullfighting; gitanos; gitanas; tauromachy; female type; Andalusian woman; female seduction; iconography; Segovia; landscape painting; portrait painting; painting; Castile; mystical Catholicism; 20th cent. century; social realism; Spanish classicism; España Negra

Exhibition catalogues and specific collections

Ignacio Zuloaga 1870–1945

Mythos Spanien

Mit Beiträgen von Carlos Alonso Pérez-Fajardo, Katrin Dyballa, Charlotte Ewers, Ralf Junkerjürgen, Mikel Lertxundi Galiana, Helena Pereña, Nerina Santorius, Johanna Schumm, Birgit Thiemann

With contributions by Carlos Alonso Pérez-Fajardo, Katrin Dyballa, Charlotte Ewers, Ralf Junkerjürgen, Mikel Lertxundi Galiana, Helena Pereña, Nerina Santorius, Johanna Schumm, Birgit Thiemann

Glasperlen können auf Drähte aufgefädelt und zu Blumen geformt werden - ein historisches Kunsthandwerk, das in Venedig und dem berühmten Muranoglas beheimatet ist. In dem reich bebilderten Buch erzählt Georg Ragnar Levi die faszinierende Geschichte, wie es dazu kam, dass Perlenblumen geliebt und verachtet und irgendwann in der Geschichte sogar verboten wurden. Sogenannte Französische Perlenblumen wurden zu Hause, in Klöstern, Gefängnissen und Werkstätten hergestellt und bei Taufen, Hochzeiten und Beerdigungen zu ornamentalen und symbolischen Zwecken verwendet. Der Leser wird durch Historie, Techniken, Materialien und die persönlichen Geschichten hinter diesem Handwerk geführt. Levi zeigt, wie die Nachfrage nach Kränzen und Sträußen im frühen 20. Jahrhundert zum Broterwerb vieler Familien in Europa wurde und die Glashütten von Murano und Böhmen aufblühen ließ. <ul> <li> Zweisprachige Ausgabe in Englisch und Französisch </li> <li> Inspirierende und sachkundige Einblicke in ein vergessenes Kunsthandwerk </li> </ul>

Glimmering glass beads can be threaded onto thin wire and shaped into flowers – a historical handicraft, rooted in Venice and its famous Murano glass. In this lavishly illustrated book, author and collector Georg Ragnar Levi tells the fascinating story how beaded flowers came to be loved and despised – at one point in history even banned. So-called French beaded flowers were created in homes, convents, prisons and workshops, and were used for ornamental and symbolic purposes at baptisms, weddings, and funerals. Dr. Levi guides us through the history, techniques, materials, and personal stories behind the craft, showing how the demand for wreaths and bouquets in the early 1900s became the bread and butter of many European families, and made the glassworks of Murano and Bohemia prosper <ul> <li> Bilingual edition in English and FrenchNew bilingual edition in both English and French </li> <li> Inspiring and knowledgeable insights into a forgotten handicraft </li> <li> "A feast of discovery" according to reviews </li> </ul>

Angewandte Kunst; Glaskunst; Murano; Volkskunst; Böhmen; Italien

Bead Craft from France and Venice to the World
L'artisanat des perles : francais, vénitien et universel

Flora ad infinitum

Georg Ragnar Levi, Publizist und Sammler, Stockholm; Fotografien von Edvard Koinberg.

Georg Ragnar Levi, author, science journalist and collector; images by Edvard Koinberg.

Die Villa Silberblick, in der Friedrich Nietzsche geistig umnachtet seine letzten Lebensjahre verbrachte, war ursprünglich ein bürgerliches Wohnhaus. Nietzsches Schwester Elisabeth Förster-Nietzsche pflegte den Kranken dort nicht nur, sondern wusste auch die kultische Verehrung des Philosophen für ihre eigenen Zwecke zu lenken und richtete im Gebäude das Nietzsche-Archiv ein. Auf wirksame Inszenierung bedacht und geschäftstüchtig, beauftragte sie nach Nietzsches Tod den belgischen Jugendstilkünstler Henry van de Velde, das Archiv zu einer Weihestätte des Nietzsche-Kults umzugestalten. In den ersten Jahren Anziehungspunkt der europäischen Avantgarde, wurde das Archiv durch Elisabeth Förster-Nietzsche später in das Kielwasser der Nationalsozialisten gesteuert, bevor es deswegen in der DDR zum Unort wurde. Der Band erzählt mit vielen farbigen Abbildungen die wechselvolle Geschichte einer Memorialstätte, in der sich die Ambivalenz der Moderne widerspiegelt.

Villa Silberblick where a mentally deranged Friedrich Nietzsche spent the final years of his life, was originally a middle-class home. Nietzsche’s sister Elisabeth Förster-Nietzsche not only looked after her ill brother but also exploited the cult-like admiration the philosopher enjoyed for her own ends and installed the Nietzsche Archive in the building. Initially very popular amongst Europe’s avant-garde later Elisabeth Förster-Nietzsche allowed the archive to be instrumentalized by the National Socialists before it became a taboo topic in the GDR. Featuring many colored illustrations, the book relates the turbulent history of a memorial that reflects the ambivalence of modernism.

Villa Silberblick; Elisabeth Förster-Nietzsche; Henry van de Velde; Weimar; Klassik Stiftung; Gesamtkunstwerk; Nietzsche-Kult; Harry Graf Kessler; Nietzsche-Rezeption; Philosophie; Briefwechsel; Architektur; Max Klinger; Nationalsozialismus; Städtetrip; Kulturreise

Villa Silberblick; Elisabeth Förster-Nietzsche; Henry van de Velde; Weimar; Klassik Stiftung; Gesamtkunstwerk; Nietzsche cult; Kolleg Friedrich Nietzsche; Harry Graf Kessler; Nietzsche reception; philosophy; correspondence; architecture; Max Klinger; National Socialism; city trip; cultural tours

Places and peoples: general and pictorial works

Nietzsche-Archiv

<UL> <LI>Der Nietzsche-Kult hat einen Ort: das Nietzsche-Archiv </LI> <LI>Ein MUST-HAVE für Nietzsche-Fans und Liebhaber des Jugendstils </LI> <LI>Weimar jenseits der Klassiker: neue Orte entdecken </LI> </UL>

Texte von: Helmut Heit, Juliane Hupka, Corinna Schubert, Sabine Walter

Essays by: Helmut Heit, Juliane Hupka, Corinna Schubert, Sabine Walter

<UL> <LI>The Nietzsche cult has a home: the Nietzsche Archive </LI> <LI>A MUST-HAVE for Nietzsche fans and lovers of Art Nouveau </LI> <LI>Weimar beyond the classics: discover new places </LI> </UL>

Im Fokus

Die Radierung, deren Ursprünge als Tiefdrucktechnik am Beginn des 16. Jahrhunderts liegen, entfaltet ihre volle Pracht im 17. Jahrhundert. Berühmte Stecher wie Albrecht Dürer hatten die Radierung als die dem Kupferstich unterlegene Technik verworfen, ein Jahrhundert später erlebt sie ihre barocke Blüte. Ihren wenngleich späten Erfolg verdankt die Radiertechnik der Freiheit der Linie. Anders als in der mühsamen Manier des Kupferstichs kann die Hand des Künstlers oder der Künstlerin die Zeichnung auf der Radierplatte spielerisch leicht umsetzen. Der Katalog gewährt faszinierende Einblicke in die Arbeitsprozesse und Ästhetik barocker Druckgrafik. Im Zentrum der Betrachtung stehen die Werke dreier Künstler, die sich in der Radiertechnik besonders hervorgetan haben: Jacques Callot, Stefano della Bella und Giovanni Benedetto Castiglione. <UL> <LI>Ausstellung: 8. September bis 3. Dezember 2023, Landesmuseum Mainz </LI> <LI>Neuer Forschungsstand zur Radierung des Barock </LI></UL>

Etching, the origins of which as an intaglio technique can be traced back to the beginning of the 16th century, unfolded its full glory in the 17th century. Famous engravers such as Albrecht Dürer had rejected etching as an inferior technique to copperplate engraving, but a century later it experienced its Baroque heyday. The etching technique owes its albeit late success to the freedom of its lines. Unlike the laborious method of copperplate engraving, the artist’s hand can playfully transpose the drawing onto the etching plate with ease. This catalogue provides fascinating insights into the working processes and aesthetics of Baroque printmaking. The focus is on works by three artists who excelled in the etching technique: Jacques Callot, Stefano della Bella and Giovanni Benedetto Castiglione. <UL> <LI>New state of research on Baroque etching </LI></UL>

Albrecht Dürer; Barock; Druckgrafik; Galileo Galilei; Giovanni Benedetto Castiglione; Grafik; Kupferstich; Rembrandt van Rijn; Tiefdrucktechnik; Radiernadel; Radiertechnik; Radierung; Medici; Mainz; Les grandes misères de la guerre; Les petites misères de la guerre; Lothringen; Nancy; peintres graveurs; Monotypie; Capricci; 17. Jahrhundert; Commedia dell’arte; Druckerstadt; Druckgraphik; Èchoppe-Nadel; Florenz; Genua; Graphik; Graphische Sammlung; Grechetto; Hansken; Jacques Callot; Kardinal Richelieu; Landesmuseum Mainz

Baroque; printmaking; etching; graphics; etching technique; 17. Century; intaglio technique; Albrecht Dürer; copper engraving; etching needle; Èchoppe needle; Florence; Genoa; peintres graveurs; Rembrandt van Rijn; Graphische Sammlung; Landesmuseum Mainz; Druckerstadt; Mainz; Jacques Callot; Nancy; Lorraine; Medici; Commedia dell'arte; "Capricci"; Les petites misères de la guerre; Les grandes misères de la guerre; Giovanni Benedetto Castiglione; Grechetto; Monotype; Galileo Galilei; Cardinal Richelieu; Hansken

Callot, Della Bella, Castiglione und die Radierung im 17. Jahrhundert

Die Freiheit der Linie

Eine Gruppe von Künstlern um Henri Matisse und André Derain führte zu Beginn des 20. Jahrhunderts revolutionäre Farbexperimente durch. Der Kunstkritiker Louis Vauxcelles gab ihnen 1905 ihren Namen: „Fauves". Ins Deutsche übersetzt bedeutet es so viel wie „Bestien" oder „wilde Tiere". Anlässlich der ersten Überblicksschau zu den Fauves seit Jahrzehnten in der Schweiz erscheint der Katalog, der die expressive Malweise und die ungewöhnlichen Farbkombinationen von Matisse, Derain und ihren Weggefährten in den Jahren 1904 bis 1908 vorstellt und sie in den ästhetischen und sozio-politischen Debatten der Zeit verortet. Der männlich konnotierte Begriff der Fauves suggeriert bereits auf begrifflicher Ebene den Ausschluss von Künstlerinnen. Ausstellung und Katalog stellen diese traditionelle Sichtweise infrage und machen auch auf Akteurinnen in der Pariser Kunstszene aufmerksam. Reich bebildert und ergänzt um neue kunsthistorische Forschungsbeiträge bietet das Buch einen Einblick in die Vielfalt der farbenreichen Malerei der „Wilden". <UL> <LI>Der Fauvismus – die erste Avantgarde-Bewegung des 20. Jahrhunderts </LI> <LI>Großartige Farbexperimente im Bruch mit akademischen Konventionen </LI> <LI>Ausstellung: 02.09.2023–21.01.2024, Kunstmuseum Basel, Neubau </LI></UL>

At the beginning of the 20th century, a group of artists around Henri Matisse and André Derain were carrying out revolutionary colour experiments. The art critic Louis Vauxcelles gave them their name in 1905: the "Fauves". Translated into English, this means something like "beasts" or "wild animals". This catalogue is being published for the first survey exhibition on the Fauves staged in Switzerland for decades. It presents the expressive painting style and unusual colour combinations employed by Matisse, Derain and their companions in the years 1904 to 1908, situating them in the aesthetic and socio-political debates of that time. The male connotation of the term Fauves already suggests the exclusion of women artists on a conceptual level. The exhibition and catalogue challenge this traditional view and draw attention to female protagonists on the Paris art scene. Richly illustrated and supplemented by new art-historical research contributions, the publication offers an insight into the diversity of the colourful painting by the "beasts". <UL> <LI>Fauvism – the first avantgarde movement of the 20th century </LI> <LI>Brilliant colour experiments in a break with academic conventions </LI> <LI>Exhibition: 02.09.2023–21.01.2024, Kunstmuseum Basel, New Building </LI></UL>

André Derain; Kunstmarkt; Plastiken; Papierarbeiten; Georges Braque; Charles Camoin; Sonia und Robert Delaunay; Kees van Dongen; Raoul Dufy; Marie Laurencin; Henri Charles Manguin; Albert Marquet; Louis Valtat; Maurice de Vlaminck; Fauves; Fauvismus; Frankreich; Ausstellung; Katalog; Kunstmuseum Basel; Henri Matisse; Avantgarde; Moderne; Salon d’Automne; Künstlergruppe; Malerei; École des Beaux-Arts; Akademie Carrière; Chatou; Le Havre; Collioure; Farbmalerei; Kubismus; Picassoites; Matisseites; Berthe Weill; Expressionismus; Karikaturist; Cuno Amiet; Alice Bailly; Auguste Chabaud; Émilie Charmy; Othon Friesz; Auguste Herbin; Alexej Jawlensky; Wassily Kandinsky; Albert Marque; Gabriele Münter; Pablo Picasso; Hans Purrmann; Georges Rouault; Henri Rousseau; Suzanne Valadon; Marianne Werefkin

Fauves; Fauvism; France; exhibition; catalog; art market; sculptures; works on paper; Georges Braque; Charles Camoin; Émilie Charmy; Sonia and Robert Delaunay; André Derain; Kees van Dongen; Raoul Dufy; Othon Friesz; Marie Laurencin; Henri Charles Manguin; Albert Marquet; Henri Matisse; Jean Puy; Louis Valtat; Maurice de Vlaminck; avant-garde; modernism; Salon d'Automne; Louis Vauxcelles; group of artists; painting; Gustave Moreau; École des Beaux-Arts; Academy Carrière; Chatou; Le Havre; Collioure; color painting; cubism; Picassoites; Matisseites; Berthe Weill; expressionism; caricaturist; Kunstmuseum Basel

Drawing and drawings in pencil, charcoal, crayon or pastel

Die Pariser Avantgarde 1904–1908

Matisse, Derain und ihre Freunde

Herausgegeben von: Arthur Fink, Assistenzkurator Kunstmuseum Basel; Claudine Grammont, Direktorin Musée Matisse, Nizza; Josef Helfenstein, Direktor Kunstmuseum Basel Mit Beiträgen von: Elena Degen, Arthur Fink, Claudine Grammont, Josef Helfenstein, Gabrielle Houbre, Béatrice Joyeux-Prunel, Peter Kropmanns, Maureen Murphy und Pascal Rousseau

Edited by: Arthur Fink, Assistant Curator Kunstmuseum Basel; Claudine Grammont, Director Musée Matisse, Nice; Josef Helfenstein, Director Kunstmuseum Basel With contributions by: Elena Degen, Arthur Fink, Claudine Grammont, Josef Helfenstein, Gabrielle Houbre, Béatrice Joyeux-Prunel, Peter Kropmanns, Maureen Murphy and Pascal Rousseau

Deutsch-englische Ausgabe Die Frage nach Identität beschäftigt seit jeher Künstlerinnen und Künstler. Auch Louisa Clements zentrales Thema ist der Mensch und das Menschliche im Digitalen. In ihrer Kunst setzt sie bei sich selbst an, geht jedoch noch darüber hinaus. Sie stellt die Frage, wie sich Identität zukünftig herausbildet und untersucht Formen der Verwandlung. In der Werkserie Repräsentantinnen schafft sie mit KI ausgestattete lernfähige Ebenbilder ihrer selbst, mit denen sich die Besucher unterhalten können. In Fotoarbeiten setzt die Meisterschülerin von Andreas Gursky diese Auseinandersetzung mit dem Körper und dessen Optimierungsmöglichkeiten fort und beschäftigt sich darüber hinaus mit militärischen Altlasten unter dem Aspekt der Transformation. Die Publikation erscheint anlässlich einer Ausstellung im Paula Modersohn-Becker Museum – beide Künstlerinnen verbindet die Suche nach einem Ausdruck ihres Selbst, wie das Selbstbildnis am 6. Hochzeitstag aus dem Jahre 1906 von Paula Modersohn-Becker prägnant vor Augen führt. Blick ins Buch <A href="https://issuu.com/deutscher_kunstverlag/docs/blick_ins_buch_human_error_louisa_clement?fr=xKAE9_zU1NQ">https://issuu.com/deutscher_kunstverlag/docs/blick_ins_buch_human_error_louisa_clement?fr=xKAE9_zU1NQ</A> Louisa Clement (geb. 1987 in Bonn) schloss 2015 ihr Studium an der Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschülerin von Andreas Gursky ab. Sie stellte bereits in verschiedenen Institutionen und Museen aus, darunter etwa: Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2022); Casino Luxembourg – Forum d'art contemporain (2022); Ludwig Forum Aachen (2019); Sprengel Museum Hannover (2019) <UL> <LI>Eine der aktuell angesagtesten jungen Künstlerinnen </LI> <LI>Aktuelle gesellschaftliche Themen wie KI, Fragen nach Körper und Selbstbild sowie digitale Speichermöglichkeiten </LI> <LI>Ausstellung: 2. September 2023 bis 21. Januar 2024, Paula Modersohn-Becker Museum Bremen </LI></UL>

German-english edition The question of identity has always preoccupied artists. Louisa Clement is no different, her central theme is the human being and the human in the digital. In her art, she starts out from herself, but ventures much further, asking how identity will be shaped in the future and examining forms of transformation. In the series of works Repräsentantinnen (Representatives), she creates AI-equipped, adaptive images of herself, with which visitors can converse. In photographic works, the master pupil of Andreas Gursky continues this examination of the body and its possible optimisations and deals with military legacies under the aspect of transformation. This publication is appearing for an exhibition at the Paula Modersohn-Becker Museum - both artists are united in their search for self-expression, as Paula Modersohn-Becker's Self-portrait on 6th wedding anniversary from 1906 demonstrates in a succinct manner. Look inside <A href="https://issuu.com/deutscher_kunstverlag/docs/blick_ins_buch_human_error_louisa_clement?fr=xKAE9_zU1NQ">https://issuu.com/deutscher_kunstverlag/docs/blick_ins_buch_human_error_louisa_clement?fr=xKAE9_zU1NQ</A> Louisa Clement (born 1987 in Bonn) completed her studies at the Kunstakademie Düsseldorf in 2015 as a master pupil of Andreas Gursky. She has already exhibited in various institutions and museums, including e.g.: Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2022); Casino Luxembourg – Forum d'art contemporain (2022); Ludwig Forum Aachen (2019); Sprengel Museum Hanover (2019) <UL> <LI>One of today’s most popular young artists </LI> <LI>Current social issues such as AI, questions about body and self-image, and possibilities of digital storage </LI> <LI>Exhibition, 2 September 2023 to 21 January 2024, Paula Modersohn-Becker Museum, Bremen </LI></UL>

KI; Künstliche Intelligenz; Fotografie; installative Arbeiten; Installationen; Körperwahrnehmung; Digitalisierung; Körpertransformation; Skulptur; Virtual Reality; Künstlichkeit; Andreas Gursky; gesellschaftspolitischer Diskurs; Avatar; Sexpuppen; Identitätssuche; Bots; Roboter; Intermedialität

AI; artificial intelligence; photography; installative works; installations; body perception; digitalization; body transformation; sculpture; virtual reality; artificiality; Andreas Gursky; socio-political discourse; avatar; sex dolls; search for identity; bots; robots; intermediality

Louisa Clement

human error

Armin Grunwald, Institut für Technologie, Karlsruhe; Katharina Rüppell und Frank Schmidt, Museen Böttcherstraße

Armin Grunwald, Institut für Technologie, Karlsruhe; Katharina Rüppell and Frank Schmidt, Museen Böttcherstraße

Deutsch-englische Ausgabe Jean Dubuffet veränderte den Kunstbegriff des 20. Jahrhunderts als Künstler und ebenso als Theoretiker und Sammler der Art brut. Ihre Definition lieferte er 1949: „Wir verstehen darunter Werke von Personen, die von der künstlerischen Kultur unversehrt geblieben sind [...]." Zu ihnen zählen Gaston Chaissac, Louis Soutter, Adolf Wölfli, Madge Gill und Margarethe Held. Auf seinem eigenen künstlerischen Weg waren Autodidakt/-innen und gesellschaftliche Außenseiter/-innen inspirierende Katalysator/-innen; sie setzten die immense Experimentierfreude in Dubuffet frei, die für sein von antikulturellen und antiästhetischen Vorstellungen geprägtes Werk so charakteristisch ist. Das Buch präsentiert eine spezifische Auswahl an Werken aus dem umfangreichen Bestand der Sammlung Klewan. <UL> <LI>Jean Dubuffet und die Art brut – sechs künstlerische Positionen im Fokus </LI> <LI> Ausstellung: 16.09.2023–25.02.2024, Gutshaus Steglitz, Berlin</LI> </UL>

German-english edition As an artist, and as a theorist and collector of Art brut, Jean Dubuffet changed the concept of art in the 20th century. He provided a definition of Art brut in 1949: "we understand it as works executed by people untouched by artistic culture [...]." These included Gaston Chaissac, Louis Soutter, Adolf Wölfli, Madge Gill and Margarethe Held. The self-taught artists and social outsiders gave him inspiration on his own path in art; they released the delight in experimentation so characteristic of Dubuffet’s work, along with anti-cultural and anti-aesthetic ideas. The book presents a selection of works from the extensive holdings of the Klewan Collection. <OL> </OL> <UL> <LI>Jean Dubuffet and Art brut – focusing on six artistic positions </LI> <LI>Exhibition: 16.09.2023–25.02.2024, Gutshaus Steglitz, Berlin </LI></UL> <OL> </OL>

Jean Dubuffet; Art brut; Graffiti; Outsider Art; Gaston Chaissac; Madge Gill; Margarethe Held; Louis Soutter; Adolf Wölfli; Zeichnung; Malerei; Sammlung Klewan; Grafik; Lithografie; Paris; Les Murs; Avantgarde; autodidaktische Kunst; Sammlung Prinzhorn; Compagnie de l’Art Brut; André Breton; Asger Jorn; Museum Collection de l’Art Brut; art rustique moderne; Collage; Le Corbusier; Spiritismus; Porträt

Jean Dubuffet; art brut; graffiti; outsider art; Gaston Chaissac; Madge Gill; Margarethe Held; Louis Soutter; Adolf Wölfli; drawing; painting; Klewan Collection; graphic art; lithography; Paris; Les Murs; avant-garde; self-taught art; Prinzhorn Collection; Compagnie de l'Art Brut; André Breton; Asger Jorn; Museum Collection de l'Art Brut; art rustique moderne; collage; Le Corbusier; spiritualism; portrait

Dubuffet, Chaissac, Soutter, Gill, Held, Wölfli

„Die wahre Kunst ist immer da, wo man sie nicht erwartet“ / "True art is where it is not expected"

Die europäische Kunstszene des 16. Jahrhunderts war von der Person und dem Werk Michelangelo Buonarrotis dominiert. Der rasche künstlerische Aufstieg, die laute Verehrung und die Erhebung von Michelangelo zur Norm und unübertreffbaren Autorität in der Kunst lösten jedoch schon im Cinquecento Kritik aus. Eine der kritischen Kunsttechniken, die damals verwendet wurden, um Normen zu delegitimieren, Konkurrenten herabzusetzen und Kunstwerke schmähend zu diskreditieren, war die Bildparodie. Die Studie widmet sich der Untersuchung dieser besonderen Technik der Komisierung und Devaluation durch eine systematische und exemplarische Erforschung der „negativen" Rezeption von Michelangelo in der nord- und mittelitalienischen Kunst der Zeit. <ul> <li> Die erste umfassende Studie über die bildliche und schriftliche Kritik an Michelangelo in Nord- und Mittelitalien im 16. Jahrhundert. </li> <li> Eine Studie über die Theorie, Funktion und Erscheinungsformen der Bildparodie in der frühen Neuzeit. </li> </ul>

The European art scene of the 16th century was dominated by the person and work of Michelangelo Buonarroti. However, Michelangelo's rapid artistic rise, widespread adoration, and elevation to the status of the norm and an unsurpassable authority in art triggered criticism as early as the Cinquecento. One of the critical art techniques used at the time to delegitimize norms, disparage competitors, and vituperatively discredit works of art was image parody. This study is dedicated to this particular technique of comicization and devaluation through a systematic and exemplary exploration of the "negative" reception of Michelangelo in northern and central Italian art of the period. <ul> <li> The first comprehensive study of pictorial and written criticisms of Michelangelo in 16th-century northern and central Italy. </li> <li> A study of the theory, function, and manifestations of pictorial parody in the early modern period. </li> </ul>

Michelangelo; Karikatur; Bildkritik; Renaissance; Parodie

Michelangelo; Renaissance; image criticism; caricature

Die Bildparodie in der nord- und mittelitalienischen Kunst des Cinquecento

Gegen Michelangelo

Giuseppe Peterlini studierte in Padua und Dresden. Seit 2023 ist er Assistent am Lehrstuhl für Kunstgeschichte der Universität Bamberg

Giuseppe Peterlini studied in Padua and Dresden. Since 2023 he has been assistant at the Chair of Art History, University of Bamberg

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Exhibition

This Is Me, This Is You. Die Eva Felten Fotosammlung

Exhibition

Hej rup! Die Tschechische Avantgarde im Kontext der Europäischen Moderne

event

human error. louisa clement | Meet the artist!

Exhibition

The Myth of Spain. Ignacio Zuloaga

Exhibition

Matisse, Derain and their Friends

Exhibition

Die Freiheit der Linie

Topic: Art Guides

Preview Fall 2023

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